Il est étonnant de se rendre compte que déjà un cinquième du nouveau siècle est derrière nous.

Nous avons demandé à plusieurs critiques du WSWS, Richard Phillips, Fred Mazelis, Clara Weiss, Stefan Steinberg et Verena Nees, des suggestions sur les films les plus intéressants de 2019 et du reste de la décennie passée.

Nous affichons diverses listes ci-dessous. Il peut y avoir des omissions flagrantes, soit parce que nous n'avons pas pu voir un film ou une émission en particulier, soit parce que nous l'avons sous-évalué, avec peut-être des surestimations dans certains cas, mais nous pensons que les œuvres mentionnées sont valables et gratifiantes. Nous invitons les lecteurs à nous faire part de leurs propres recommandations.

Un certain nombre de processus objectifs sont à l'œuvre dans l'industrie du cinéma et de la télévision, qui reflètent en particulier des tendances plus larges de la vie sociale et culturelle. D'une part, il y a une accumulation stupéfiante de richesses au sommet. Les responsables de la production visuelle ont à leur disposition les technologies les plus remarquables et la capacité de créer pratiquement n'importe quelle image. Cependant, les cadres et les producteurs des studios de cinéma et de télévision font preuve d'un terrible manque d'imagination et d'originalité, en partie à cause de la pression incessante des actionnaires qui encouragent les produits les plus fades et les moins offensants, en partie à cause de l'absence démoralisée de tout grand intérêt pour la vie contemporaine ou de confiance dans l'avenir de leur système social.

Pire encore, dans certains cas, la «philosophie» de l'escroc boursier, qui se désintéresse de toute préoccupation à long terme au profit de l'accumulation fébrile de la richesse personnelle, trouve aujourd'hui un reflet dans la vision égoïste et froide de certains types d'industries. Il y a plus d'un siècle, au sujet de la vie artistique dans la Vienne d'avant la Première Guerre mondiale, Léon Trotsky décrivait cette «moralisation renversée» comme «un sermon interminable et ennuyeux: n'ayez pas peur, n'ayez pas de doutes, n'ayez pas honte, n'ayez pas de scrupules, prenez ce que vous pouvez».

Aux États-Unis, la concentration du contrôle sur les médias (y compris la radiodiffusion et la télévision par câble, le cinéma, la radio, les journaux, les magazines, l'édition de livres, la musique, les jeux vidéo et le contenu en ligne) par une poignée de conglomérats a atteint un stade avancé. En 1983, 50 entreprises possédaient 90 % des médias. En 2012, six entreprises en possédaient 90 % et en 2019, ce nombre était tombé à quatre: Comcast (par l'intermédiaire de NBCUniversal), Disney, ViacomCBS (propriété de National Amusements) et AT&T (par l'intermédiaire de WarnerMedia).

Disney, qui a acheté la 21st Century Fox plus tôt cette année pour 71,3 milliards de dollars, a augmenté ses revenus en 2019 pour atteindre un montant estimé à près de 70 milliards de dollars. La firme géante a été responsable de huit des dix films les plus rentables de 2019. Ses films, dont aucun n'a de valeur durable, ont rapporté 10 milliards de dollars en recettes mondiales cette année.

De tels niveaux de succès financier engendrent inévitablement la flatterie et la flagornerie dans les misérables médias américains. Le magazine Time a récemment nommé Robert Iger, président et chef de la direction de Disney, «Homme d'affaires de l'année». Le magazine Forbes estime la richesse d'Iger à 690 millions de dollars. Son salaire annuel est de 65,5 millions de dollars, soit 1424 fois le salaire médian d'un employé de Disney, un ratio qu'Abigail Disney, héritière de Disney, a qualifié de «fou».

L'article du Time, qui a fait couler beaucoup d'encre, a évoqué le service de streaming de Disney, Disney+ (Disney Plus), pour lequel 10 millions de personnes se sont abonnées le premier jour de son lancement à la mi-novembre, avant de noter que le service n'était «pas encore une menace pour les grandes entreprises technologiques qui dominent le streaming»: Netflix a 158,3 millions d'abonnés, Amazon Prime en a 101 millions et YouTube de Google a environ 2 milliards d'utilisateurs par mois.»

Là encore, les possibilités sont énormes, mais les contradictions sont tout aussi flagrantes. Un commentateur de MediaU a récemment écrit qu'Amazon et Netflix, qui il y a quelques années semblaient être les sauveurs du cinéma indépendant, «ont reculé; ils ont annoncé qu'ils recherchaient des films moins indépendants et plus “commerciaux”. Et alors qu'Amazon, Netflix, Hulu et Facebook dépenseront plus de 16 milliards de dollars en contenu cette année, au total, seule une infime partie» ira aux films indépendants. «Les grosses plateformes recherchent des séries et de gros noms qui attireront les spectateurs, et elles dépensent pour cela: Facebook dépense jusqu'à 2 millions de dollars par épisode, et Amazon et Netflix jusqu'à 10 millions de dollars par épisode, pour les séries.»

Pour l'élite des entreprises américaines, la production d'une poignée de «blockbusters» vides et pompeux, exportés aux quatre coins de la planète, est le modèle d'affaires idéal.

Cependant, cela ne représente pas l'ensemble du tableau. Un nombre croissant de scénaristes et de réalisateurs portent un regard critique et furieux, et parfois avec une acuité considérable, sur la société contemporaine. L'effondrement financier de 2008 et l'appauvrissement de millions de personnes qui en a résulté, la vaste inégalité sociale, la montée mondiale des partis néofascistes, les guerres sans fin et l'assaut systématique contre les droits démocratiques ont eu une influence incontournable sur les milieux artistiques. Les efforts de censure et de répression, y compris l'emprisonnement tristement célèbre de Julian Assange et Chelsea Manning, au nom de la «sécurité nationale», du fondamentalisme religieux ou d'autres prétextes réactionnaires, ont également provoqué l'indignation et le désarroi de nombreuses personnes.

L'émergence d'une large opposition populaire à l'ordre social et politique existant, qui s'est d'abord traduite par l'éclatement de grèves et de manifestations de masse dans des dizaines de pays cette année, doit contribuer à briser la stagnation culturelle.

Les difficultés et les obstacles auxquels se heurte l'artiste sensible et réfléchi de nos jours ne doivent pas être sous-estimés ou considérés avec indifférence. La proposition de Trotsky en 1938, à la veille de la Seconde Guerre mondiale et au milieu des horreurs de la barbarie fasciste, selon laquelle l'art, «la partie la plus complexe de la culture, la plus sensible et en même temps la moins protégée, souffre le plus du déclin et de la décadence de la société bourgeoise», est plus vraie aujourd'hui que jamais.

Aux États-Unis, en Grande-Bretagne et de plus en plus ailleurs, l'artiste est jeté à la merci du «libre marché», alors que le soutien de l'État aux arts est réduit ou éliminé. Les entreprises et les gouvernements – directement et indirectement – demandent des films et des émissions de télévision qui conviennent à leurs objectifs brutaux, à la défense du profit, à la guerre et à «l'intérêt national».

La réalisation d'un film est une entreprise coûteuse, à forte intensité de main-d'œuvre et une activité de coopération sociale. Elle exige la mobilisation de ressources artistiques et techniques considérables. Trouver des fonds pour la production d'un film vraiment «indépendant» ou d'opposition et aller jusqu'au bout est un processus épuisant à l'heure actuelle. De nombreuses barrières, délibérément placées ou non, se dressent entre le cinéaste et son public cible.

L'atmosphère intellectuelle accumulée dans les milieux «cultivés», bohémiens ou universitaires, n'est pas saine non plus. On attend de chaque artiste qu'il rende avant tout hommage à l'identité raciale ou sexuelle comme question de vie ou de mort dans l'existence contemporaine. La disgrâce et l'exclusion sont le prix à payer pour s'opposer à ce programme pourri.

Lorsque le cinéaste sud-coréen Bong Joon-ho (Parasite) a affirmé que «tous les artistes ... sont toujours intéressés par les classes sociales, 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, je pense qu'il serait en fait étrange que nous ne le soyons pas» et que «nous avons tous des antennes très sensibles aux classes, en général», il exprimait, malheureusement, un point de vue nettement minoritaire.

Chaque œuvre d'art, même la plus banale, reflète l'époque et la société dans laquelle elle a été créée. Que pourrait-elle refléter d'autre? La question décisive est de savoir si elle le fait de manière riche, stimulante et critique. C'est la responsabilité centrale de l'artiste, même si, comme l'a fait remarquer le romancier russe Léon Tolstoï, «il est très difficile de dire la vérité».

Au cours des dernières décennies, les artistes, en raison de conditions intellectuelles et politiques défavorables, se sont largement contentés de refléter passivement et sans esprit critique les conditions immédiates dans lesquelles ils se trouvaient, sans les examiner ou les contester sérieusement. Pire encore, trop souvent, comme dans les films de Quentin Tarantino, de Lars von Trier, le «cinéma du corps» français, les films d'horreur japonais et de gangsters, etc., ils se vautrent dans la confusion et la désorientation qui règnent dans de nombreux cercles petits-bourgeois.

Sans minimiser les immenses problèmes, la dernière décennie a incontestablement été témoin d'un travail plus intéressant au cinéma que la précédente. L'état menaçant ou injuste de la société contemporaine a obligé un certain nombre de cinéastes, tout d'abord, à regarder l'histoire plus attentivement. On peut citer, par exemple, Peterloo (2018) de Mike Leigh, Sealed Lips (2018) de Bernd Böhlich, The Young Karl Marx (2017) de Raoul Peck, Free State of Jones (2016) de Gary Ross, The Chosen (2016) d'Antonio Chavarrías, The People vs. Fritz Bauer de Lars Kraume (2015), Labyrinth of Lies de Giulio Ricciarelli (2014) et Lincoln de Steven Spielberg (2012).

Aux États-Unis, nous n'avons pas pu voir jusqu'à présent l'un des films historiques les plus importants de la dernière décennie, la version de l'affaire Dreyfus de Roman Polanski, J'accuse (An Officer and a Spy, 2019). Les militants antidémocratiques et répressifs de #MeToo ont intimidé les distributeurs potentiels et empêché la projection du film en Amérique du Nord.

Selon le Hollywood Reporter, lorsque le film de Polanski a été présenté aux acheteurs de films sélectionnés au Festival de Cannes en mai dernier, «les acheteurs nationaux l’ont largement snobé. Un cadre d'un distributeur de prestige aux États-Unis n’est pas allé à la présentation. “Aucun intérêt”, a déclaré l'acheteur. Un autre acheteur américain a également ignoré l'invitation. “Il n'est pas possible de sortir ce film aux États-Unis pour l'instant”, a expliqué le directeur.»

Le site Playlist fait ouvertement référence au fait que Polanski et Woody Allen (dont la sortie du film A Rainy Day in New York a été interrompue par Amazon Studios, son producteur), qu'il décrit comme «des légendes de l'industrie acclamés par la critique», ont passé «la dernière année sur la liste noire d'Hollywood, car leurs allégations d'inconduite sexuelle des décennies précédentes ont refait surface à la lumière du mouvement #MeToo». Cette nouvelle liste noire, si ça se trouve, suscite moins de protestations dans les médias conformistes et lâches et dans l'establishment de l'industrie cinématographique que les purges maccartistes des années 1950.

Ces actes extraordinaires de censure (auxquels on pourrait ajouter l'excision de l'acteur Kevin Spacey du film achevé de Ridley Scott All the Money in the World et la suppression du film de Louis C.K. I Love You, Daddy) soulèvent des questions quant à l'obstacle important que la politique identitaire de la classe moyenne supérieure représente pour la représentation artistique.

Les attaques fascistes contre l'art et les artistes ne sont pas nouvelles, mais le boom boursier, immobilier et médiatique des dernières décennies, combiné à l'impact malveillant des idéologies postmodernes et identitaires, a créé au sein des couches libérales et de gauche autrefois «cosmopolites» et «sophistiquées» une nouvelle circonscription pour la censure, l'autoritarisme et, plus généralement, la politique impérialiste. S'autoglorifiant et s'apitoyant sur son sort, indifférente à la vérité et aux faits historiques (comme l'a explicitement démontré le «Projet 1619» du New York Times), violemment hostile à l'égalitarisme et aux revendications de la classe ouvrière, cette «Nouvelle Droite» considère l'art qui scrute sous la surface sociale ou historique, et soulève des questions «inquiétantes» sur l'ensemble de la situation, avec une hostilité indéniable et implacable.

Déjà en 1994, dans une critique de The Piano de Jane Campion (dans l’International Workers Bulletin), nous affirmions que les mouvements consacrés à la politique des sexes et des «races» n'avaient pas «aidé qui que ce soit à voir plus clairement le monde et ses relations sociales les plus fondamentales; ils ont eu précisément l'effet inverse, à savoir un rétrécissement. Ils ont objectivement endommagé le travail artistique et intellectuel».

Inévitablement, face à des conflits de classes toujours plus ouverts, la politique identitaire dans l'art et la société est passée d'une posture généralement défensive à une posture agressive. Les attaques contre Polanski, Allen, Spacey, C.K. et d'autres représentent une intensification de la campagne contre les droits démocratiques et la liberté artistique.

Parmi les films que nous avons le plus admirés au cours des dix dernières années, certains ont été largement ignorés (The Young Karl Marx, Peterloo, etc.), tandis que d'autres, en particulier ceux qui contestaient le racisme, le point de vue désormais officiellement défendu par la pseudo-gauche et le Parti démocrate, ont été attaqués, parfois avec férocité. Il n'est pas possible de raconter l'histoire du cinéma américain dans les années 2010 en particulier sans faire référence à ces controverses.

Rappelons que Lincoln de Spielberg, qui contient de puissantes séquences éclairant certains des moments les plus tendus et turbulents de l'histoire américaine, a été comparé défavorablement par plusieurs critiques, notamment les «libéraux» et ceux de la «gauche», à Django Unchained (2012) de Tarantino en particulier, ainsi qu'à Zero Dark Thirty (2012) de Kathryn Bigelow.

Selon la «vision misanthrope et raciste du monde» de Django Unchained, nous avons noté en février 2013, «l'esclavage a été démoli ou aurait dû être démoli par des actes de vengeance individuelle sanglante. Le film ne se laisse pas troubler par le fait que l'institution n'a pas été démolie de cette manière.»

Il n'est pas nécessaire d'ajouter grand-chose à ce stade sur le déplorable Zero Dark Thirty de Bigelow, qui n'était pas seulement un voyage ennuyeux, sombre et psychologiquement peu convaincant vers le «côté obscur» et une défense de la torture de la CIA, mais, comme l'a révélé le journaliste d'investigation Seymour Hersh en 2015, «basé» sur des événements entourant la mort d'Oussama ben Laden qui n'ont jamais eu lieu.

Ann Hornaday du Washington Post est de ceux qui affirment que Django Unchained s'est rapproché de la vérité sur l'esclavage plus que Lincoln de Spielberg. Hornaday a écrit que «même dans sa forme la plus criarde, la plus grotesque et la plus anhistorique, Django Unchained communique des vérités que des traités plus solennels et plus sérieux [c'est-à-dire Lincoln] pourraient manquer». L'ancien critique dramatique et chroniqueur du New York Times, Frank Rich, a affirmé dans un magazine de New York que la «rêverie de Django Unchained sur l'époque de la guerre civile, un amalgame déjanté de cauchemars et de surréalisme comique, déterre les conflits raciaux laissés irrésolus par Lincoln et Lincoln».

Dans The Nation, Jon Wiener a opposé Lincoln et Django Unchained, et s'est rangé du côté du film de Tarantino, en écrivant, par exemple: «Dans le film de Spielberg, les vieux hommes blancs font l'histoire, et les noirs les remercient de leur liberté.»

Pendant ce temps, le cinéaste et icône libérale Michael Moore s'est précipité à la défense de Zero Dark Thirty, soutenant de manière offensive et ridicule que le film de Bigelow avec son personnage central, une femme agente de la CIA, représentait un triomphe pour le féminisme. L'œuvre, a écrit Moore, «porte en réalité sur la façon dont une agence composée principalement d'hommes dédaigne une femme qui est sur la bonne voie pour retrouver Ben Laden. Oui, les gars, c'est un film sur la façon dont nous n'écoutons pas les femmes.»

Un autre ouvrage qui a suscité l'ire de l'industrie des politiques identitaires est le très précieux et émouvant Free State of Jones, largement inspiré par les recherches de l'historienne Victoria Bynum, de l'Université d'État du Texas, l'un des professeurs qui a exprimé de sérieuses critiques à l'égard du Projet 1619 du Times. Le film de Gary Ross relate les luttes d'un fermier blanc du Mississippi, Newton Knight, pour organiser une insurrection contre la Confédération pendant la guerre civile.

Charles Blow du Times a lancé l'un des assauts les plus venimeux, «Sauveur blanc, viol et romance...», en juin 2016 (chronique à laquelle Bynum a répondu). Blow a écrit que le film de Ross essayait «désespérément de présenter la guerre civile, et plus particulièrement la dissidence au sein de la Confédération, comme une lutte des classes entre populisme et élitisme, dans laquelle de pauvres hommes blancs étaient forcés de mener la guerre des hommes blancs riches et de protéger le commerce du coton, plutôt que comme un conflit sur l'horreur morale de l'esclavage des noirs. Partout, il y a l'insistance des libéraux blancs sur le fait que la race n'est qu'une construction subordonnée aux classes».

Vann Newkirk II a écrit une pièce tout aussi répugnante, «The Faux-Enlightened Free State of Jones», dans Atlantic, tandis que l'un des commentaires les plus éloquents est venu d'Erin Whitney de ScreenCrush qui a déploré que Free State of Jones «raconte son histoire avec ignorance et sans voir les couleurs». Whitney a continué à se plaindre: «Ce n'est pas un film de la guerre civile sur la question de la race, mais un film sur les conflits de classe qui sympathise avec les blancs.»

Green Book de Peter Farrelly a été attaqué de manière soutenue par les milieux obsédés par la couleur de peau avant même sa sortie en novembre 2018, tout en recevant l'Oscar du meilleur film en février 2019. Dans le film, le célèbre pianiste noir Don Shirley emploie un Italo-Américain de la classe ouvrière, Tony Vallelonga, comme chauffeur et garde du corps dans une tournée musicale à travers le Sud. Shirley considère cette tournée comme faisant partie de la lutte contre la ségrégation.

Pour son point de vue élémentaire et humain selon lequel les préjugés raciaux sont un problème social qui peut être résolu par l'éducation et l'exemple, la raison et l'empathie, et que la haine raciale n'est pas une composante essentielle de la condition humaine, Green Book s'est attiré l’hostilité instinctive et implacable des critiques et des commentateurs des médias fascinés par la «race».

Justin Chang du Los Angeles Times a déclaré que le film était «insultant et désinvolte, du n’importe-quoi complaisant qui se fait passer pour une branche d'olivier». Remarquablement, le critique a dénoncé le film pour avoir colporté «un idéal de réconciliation raciale». Brooks Barnes, dans le New York Times, a qualifié le film de «terriblement rétrograde et à la limite du sectarisme». Au lieu de cela, Barnes a loué les vertus de Black Panther (Ryan Coogler, 2018), un film de superhéros glorifiant un ethno-État africain fictif appelé Wakanda.

L'un des commentaires les plus ignobles, de Wesley Morris, a été publié dans le New York Times avant la remise des Oscars. Son thème était résumé dans son titre, «Pourquoi les Oscars sont-ils toujours attribués à des fantasmes de réconciliation raciale?» Indiewire a noté que la victoire de Green Book aux Academy Awards «a immédiatement suscité l'indignation des journalistes de cinéma et des critiques des médias sociaux».

L'«indignation» d'une partie déterminée de la critique et de l'establishment médiatique est généralement dirigée contre les cinéastes qui ont l'audace de sortir de leur «zone de confort» et de s'attaquer à des questions sociales. Ainsi, le scénariste-réalisateur Steven Soderbergh a été accueilli par certaines des pires critiques de sa carrière au début de l'année lorsqu'il a sorti The Laundromat, un film perçant basé sur les révélations des Panama Papers et traitant de la criminalité du blanchiment d'argent du monde des affaires. Diverses critiques, dont un certain nombre à la solde du ploutocrate Rupert Murdoch, ont trouvé désagréable l'exposé des malversations de l'élite dirigeante.

«Je viens de regarder un éditorial de 96 minutes», a grommelé Johnny Oleksinski dans le New York Post, tandis que Tom Shone, dans le Sunday Times (Royaume-Uni), a commenté que The Laundromat «se cherche dans des sketches sans but, vaguement préoccupés par les Panama Papers et les gens riches qui se comportent mal». «Trop moralisateur» (Aaron Peterson dans Hollywood Outsider) et «un sermon indigné» (David Sexton dans le London Evening Standard) étaient des commentaires supplémentaires.

L'aventure du réalisateur Todd Haynes – identifié comme un pionnier du New Queer Cinema – dans le territoire socialement critique de Dark Waters (2019), centré sur la contamination chimique toxique de DuPont à Parkersburg, en Virginie-Occidentale, a incité un commentateur en colère à titrer sa critique: «Que diable fait Todd Haynes derrière la caméra du docudrame générique Dark Waters?» et à qualifier le remarquable film de «terrible déception».

En fin de compte, le développement du monde détermine le développement de l'art, même dans les circonstances inhabituelles de la production cinématographique et télévisuelle. Le grand mouvement de la classe ouvrière entrant en conflit de plus en plus direct et conscient avec les différentes élites dirigeantes du monde entier reste la question cruciale. De tels développements montreront aux artistes qu'il existe une force capable de conduire la société de son état actuel à une forme d'organisation supérieure. Les meilleurs artistes, les plus honnêtes et les plus sincères répondront par un travail révolutionnaire. Nous en sommes absolument confiants.

* * * * *

1. Les films qui ont été projetés dans les salles de cinéma ou à la télévision aux États-Unis en 2019 ou que les critiques du WSWS ont vus dans les festivals de cinéma (sans ordre particulier):

Peterloo – Mike Leigh

J’accuse – Roman Polanski

Parasite – Bong Joon Ho

Dark Waters – Todd Haynes

Les Misérables – Ladj Ly

Atlantics – Mati Diop

Ibrahim: A Fate to Define – Lina Al Abed

South Terminal – Rabah Ameur-Zaïmeche

Ash Is Purest White – Jia Zhang-ke

The Laundromat – Steven Soderbergh

Official Secrets – Gavin Hood

Velvet Buzzsaw – Dan Gilroy

The Public – Emilio Estevez

The Man Who Killed Don Quixote – Terry Gilliam

Just Mercy – Destin Daniel Cretton

Clergy – Wojciech Smarzowski

So Long, My Son – Wang Xiaoshuai

Sealed Lips – Bernd Böhlich

Gundermann – Andreas Dresen

Mack the Knife – Brecht's Threepenny Film – Joachim Lang

God Exists, Her Name Is Petrunya – Teona Strugar Mitevska

63 Up – Michael Apted

The Current War – Alfonso Gomez-Rejon

Motherless Brooklyn – Edward Norton

Dogman – Matteo Garrone

Transit – Christian Petzold

Rosie – Paddy Breathnach

Working Woman – Michal Aviad

2. Ces films et ces œuvres cinématographiques nous semblent être les plus intéressants produits au cours de la dernière décennie (entre parenthèses) et du nouveau siècle dans son ensemble (les années 2000 entre crochets):

Peterloo, 2018 – Mike Leigh (Another Year, 2010, Mr. Turner, 2014) [All or Nothing, 2002, Vera Drake, 2004, Happy-Go-Lucky, 2008]

J’accuse (An Officer and a Spy), 2019 – Roman Polanski (The Ghost Writer, 2010) [The Pianist, 2002, Oliver Twist, 2005]

The Young Karl Marx, 2017 – Raoul Peck (Moloch Tropical , 2009, Murder in Pacot, 2014) [Lumumba, 2000, Profit & Nothing But! Or Impolite Thoughts on the Class Struggle, 2001]

Ash is Purest White, 2018 – Jia Zhang-ke (A Touch of Sin, 2013) [Platform, 2000, The World, 2004]

Parasite, 2019, Bong Joon – ho [Memories of Murder, 2003]

An Episode in the Life of an Iron Picker, 2013 – Danis Tanovic (Cirkus Columbia, 2010, Tigers, 2014)

A Screaming Man, 2010 – Mahamat-Saleh Haroun (A Season in France, 2017) [Daratt, 2006]

A Separation, 2012 – Asghar Farhadi (The Salesman, 2016)

Phoenix, 2014 – Christian Petzold (Barbara, 2012, Transit, 2018)

So Long, My Son, 2019 – Wang Xiaoshuai (11 Flowers, 2011) [Beijing Bicycle, 2001, Drifters, 2003, Shanghai Dreams, 2005]

The Traitor, 2019 – Marco Bellocchio (Dormant Beauty, 2012) [Vincere, 2009]

Dark Waters, 2019 – Todd Haynes (Mildred Pierce, 2011)

Roman J. Israel, Esq., 2017 – Dan Gilroy (Nightcrawler, 2014, Velvet Buzzsaw, 2019)

Isle of Dogs, 2018 – Wes Anderson (The Grand Budapest Hotel, 2014) [The Royal Tenenbaums, 2001, The Life Aquatic with Steve Zissou, 2004]

Loving, 2016 – Jeff Nichols (Take Shelter, 2011)

Lincoln, 2012 – Steven Spielberg (The Post, 2017) [Catch Me If You Can, 2002, Munich, 2005]

The Big Short, 2015 – Adam McKay (Vice, 2018)

Win Win, 2011 – Tom McCarthy (Spotlight, 2015) [The Station Agent, 2003, The Visitor, 2007]

Nebraska, 2013 – Alexander Payne [About Schmidt, 2002]

Omar, 2013 – Hany Abu-Assad [Rana’ s Wedding, 2002, Paradise Now, 2005]

A World Not Ours, 2012 – Mahdi Fleifel (Short films: Xenos, 2014, A Man Returned, 2016, A Drowning Man, 2017)

Timbuktu, 2014 – Abderrahmane Sissako [Waiting for Happiness, 2002, Bamako, 2006]

Iraqi Odyssey, 2014 – Samir [Forget Baghdad: Jews and Arabs – The Iraqi Connection, 2002]

99 Homes, 2014 – Ramin Bahrani [Man Push Cart, 2005, Chop Shop , 2007 ]

Sweet Country, 2017 – Warwick Thornton (Samson and Delilah, 2009)

Good Kill, 2014 – Andrew Niccol (In Time, 2011)

3. Films de qualité remarquable qui peuvent être moins connus (classés chronologiquement):

Even the Rain, 2010 – Icíar Bollaín

Court, 2014 – Chaitanya Tamhane

The People vs. Fritz Bauer, 2015 – Lars Kraume

The Colony, 2015 – Florian Gallenberger

Sami Blood, 2016 – Amanda Kernell

Free State of Jones, 2016 – Gary Ross

The Chosen, 2016 – Antonio Chavarrías

Capernaum, 2018 – Nadine Labaki

4. Des films individuels d'un réel mérite, mais qui ont leurs faiblesses (classés chronologiquement):

Miral, 2010 – Julian Schnabel

The Social Network, 2010 – David Fincher

Think of Me (Alternative title: About Sunny), 2011 – Bryan Wizemann

Edwin Boyd (Alternative title: Citizen Gangster), 2011 – Nathan Morlando

Rebellion, 2011 – Mathieu Kassovitz

Omar Killed Me, 2011 – Roschdy Zem

Great Expectations, 2012 – Mike Newell

Detroit Unleaded, 2012 – Rola Nashef

The We and the I, 2012 – Michel Gondry

A Late Quartet, 2012 – Yaron Zilberman

With You, Without You, 2012 – Prasana Vithanage

Closed Circuit, 2013 – John Crowley

Standing Aside, Watching, 2013 – Yorgos Servetas

Salvation Army, 2013 – Abdellah Taïa

Ilo Ilo, 2013 – Anthony Chen

Devil’s Knot, 2013 – Atom Egoyan

Bad Hair, 2013 – Mariana Rondón

Foxcatcher, 2014 – Bennett Miller

Boyhood, 2014 – Richard Linklater

Labyrinth of Lies, 2014 – Giulio Ricciarelli

Look Who’s Back, 2015 – David Wnendt

The Boda Boda Thieves, 2015 – Donald Mugisha and James Tayler

Koza, 2015 – Ivan Ostrochovský

Marija, 2016 – Michael Koch

Lady Macbeth, 2016 – William Oldroyd

Past Life, 2016 – Avi Nesher

The Florida Project, 2017 – Sean Baker

War Machine, 2017 – David Michôd

Directions, 2017 – Stephan Komandarev

Arrhythmia, 2017 – Boris Khlebnikov

In Times of Fading Light, 2017 – Matti Geschonneck

Crown Heights, 2017 – Matt Ruskin

The Workshop, 2017 – Laurent Cantet

I Am Not a Witch, 2017 – Rungano Nyoni

Mudbound, 2017 – Dee Rees

No Date, No Signature, 2017 – Vahid Jalilvand

Green Book, 2018 – Peter Farrelly

Roma, 2018 – Alfonso Cuarón

Sealed Lips, 2018 – Bernd Böhlich

Mack the Knife – Brecht’s Threepenny Film, 2018 – Joachim Lang

Screwdriver, 2018 – Bassam Jarbawi

Dogman, 2018 – Matteo Garrone

God Exists, Her Name Is Petrunya, 2019 – Teona Strugar Mitevska

Les Misérables, 2019 – Ladj Ly

Atlantics, 2019 – Mati Diop

The Laundromat, 2019 – Steven Soderbergh

Ibrahim: A Fate to Define, 2019 – Lina Al Abed

South Terminal, 2019 – Rabah Ameur-Zaïmeche

5. Quelques séries télévisées:

Charité at War (2019)

Succession (2018)

Homecoming (2018)

The Crown (2016)

Chernobyl (2019)

Orange is the New Black (2013)

Mr. Robot (2015)

6. Documentaires:

Tears of Gaza, 2010 – Vibeke Lokkeberg

The Tillman Story, 2010 – Amir Bar-Lev

Le Quattro Volte, 2010 – Michelangelo Frammartino

The Tall Man, 2011 – Tony Krawitz

Pina, 2011 – Wim Wenders

The Law in These Parts, 2011 – Ra’anan Alexandrowicz

The Queen of Versailles, 2012 – Lauren Greenfield

Central Park Five, 2012 – Ken Burns, Sarah Burns, David McMahon

Roman Polanski: Odd Man Out, 2012 – Marina Zenovich

Sofia’s Last Ambulance, 2012 – Ilian Metev

The Gatekeepers, 2012 – Dror Moreh

The Act of Killing, 2012 – Joshua Oppenheimer

The Kill Team, 2013 – Dan Krauss

Finding Vivian Maier, 2013 – John Maloof and Charlie Siskel

Rich Hill, 2014 – Andrew Droz Palermo, Tracy Droz Tragos

We Come as Friends, 2014 – Hubert Sauper

In Jackson Heights, 2015 – Frederick Wiseman Janis: Little Girl Blue, 2015 – Amy Berg

Don’ t Blink – Robert Frank, 2015 – Laura Israel

The Settlers, 2016 – Shimon Dotan

I Called Him Morgan, 2016 – Kasper Collin

Muhi: Generally Temporary, 2017 – Rina Castelnouvo-Hollander, Tamir Elterman

Sighted Eyes/Feeling Heart, 2017 – Tracy Heather Strain

Central Airport THF, 2018 – Karim Aïnouz

They Shall Not Grow Old, 2018 – Peter Jackson

Who Will Write Our History?, 2018 – Roberta Grossman

Prosecuting Evil: The Extraordinary World of Ben Ferencz, 2018 – Barry Avrich

Ghost Fleet, 2018 – Shannon Service & Jeffrey Waldron

Hal, 2018 – Amy Scott

Miles Davis: Birth of the Cool, 2019 – Stanley Nelson

Midnight Traveler, 2019 – Hassan Fazili

Where’s My Roy Cohn?, 2019 – Matt Tyrnauer

Midnight Family, 2019 – Luke Lorentzen

(Article paru en anglais le 31 décembre 2019)