Le réalisateur, producteur, peintre et sculpteur Andrew Levitas s’est entretenu avec le World Socialist Web Site au sujet de son film dramatique Minamata, basé sur un scénario de Levitas, David K. Kessler, Stephen Deuters et Jason Forman, Johnny Depp étant l’un des producteurs exécutifs du film.

Le film se déroule au début des années 1970 et traite de l’empoisonnement industriel des communautés de pêcheurs japonais par la Chisso Corporation et des efforts déterminés du célèbre photo-essayiste W. Eugene Smith (Johnny Depp) et de sa femme Aileen Mioko Smith (Minami Bages) pour dénoncer ce crime dans le monde entier.

MGM a acheté les droits de distribution américains de Minamata au début de 2019, mais a refusé de le sortir. Le responsable des acquisitions de la société, Sam Wollman, a déclaré à Levitas que «les problèmes personnels de Johnny Depp» – c’est-à-dire un divorce désordonné avec son ancienne femme Amber Heard – pourraient se refléter négativement sur MGM et que le film serait «enterré».

Le 3 décembre, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment a annoncé qu’elle avait acheté les droits de distribution américains à MGM. La société ne lui a accordé qu’une semaine de sortie en salles, à partir du 11 février, dans 27 cinémas américains, dont deux seulement à New York. Les futures sorties en streaming et en DVD seront bientôt annoncées.

Nous avons commencé l’interview de la semaine dernière, qui a été modifiée par souci de clarté et de longueur, en demandant à Levitas d’expliquer son attrait pour l’histoire de Minamata, la photographie de Gene Smith et la genèse du film. La vidéo complète de l’interview peut être regardée ci-dessus.

Richard Phillips: Merci Andrew pour Minamata et pour votre temps aujourd’hui.

AL: Tout d’abord, merci à vous et à vos collègues pour tout ce que vous avez fait pour soutenir le film et faire savoir pourquoi son histoire est si importante. Aucun d’entre nous n’a décidé de faire ce film pour des raisons financières ou professionnelles. Nous nous sommes tous impliqués parce que c’était une histoire, 50 ans après les événements, qui devait être racontée.

Je me souviens avoir vu les photos de Gene Smith sur Minamata quand j’avais 10 ou 12 ans. Mes parents avaient une collection de vieux magazines Life. En les feuilletant, j’ai vu «Tomoko Uemura dans son bain» et je me suis senti très bizarre.

Je me suis senti mal à l’aise parce que je reconnaissais que j’aurais dû me sentir horriblement mal en voyant cet enfant difforme, mais ce n’était pas le cas. Je me suis senti bien et même encouragé. C’était vraiment compliqué à cet âge, car je n’avais pas la conscience de comprendre ce que je voyais et pourquoi je me sentais ainsi.

Des années plus tard, lorsque je suis devenu un artiste et que j’ai réexaminé cette œuvre et bien d’autres, j’ai réalisé qu’elle était restée gravée dans ma mémoire parce que ce que je ressentais était juste. C’était une image d’espoir et d’amour, et elle était empreinte de compassion. C’était le meilleur de l’humanité qui nous était réfléchi.

Ce qui est si particulier dans l’œuvre de Gene, c’est sa bonté et son espoir. Il y a une légèreté qui semble vraiment chasser l’obscurité – les noirs de ses photographies étaient si noirs – c’est l’élément humain de tout cela et je me suis à nouveau engagée dans son travail. Mais il a fallu encore 15 ans, 30 films et Dieu sait combien d’expositions d’art, de livres de poésie et d’autres choses encore, pour que je sente que cette histoire devait être remise en lumière.

Tout d’abord, je n’arrivais pas à croire que 50 ans plus tard, des victimes et des patients de Minamata se battaient encore pour être entendus, pour être reconnus, sans parler d’être indemnisés ou aidés – pour que quelqu’un dise simplement: «Oui, nous vous croyons, nous comprenons».

Deuxièmement, je me suis de plus en plus préoccupée de la façon dont les problèmes de pollution environnementale auxquels nous sommes tous confrontés sont si compartimentés. Par exemple, s’il y a un problème en Australie, c’est le problème de l’Australie. S’il y a un problème en Nouvelle-Zélande, c’est le problème de la Nouvelle-Zélande, ou quelque chose à Newark, dans le New Jersey, c’est le problème du New Jersey, ou à Flint, dans le Michigan, c’est le problème du Michigan, ou une plate-forme pétrolière dans le golfe du Mexique, alors c’est leur problème.

J’ai compris que cela avait à voir avec les grandes entreprises et l’argent, et que le système était conçu pour que nous ne nous préoccupions que de ce qui se passe dans notre coin de pays, sans vraiment considérer qu’il s’agit du même problème. Cela m’a vraiment dérangé, et j’ai commencé à réfléchir à quel genre de film faire.

Je ne suis pas un cinéaste qui ferait un film de journaliste en croisade, comme Dark Waters ou Erin Brockovich, et bien que je sois un grand fan de ces deux films, j’avais besoin de faire quelque chose qui soit complètement universel. Un film que n’importe qui, n’importe où dans le monde, pourrait regarder et apprécier.

Dans les films que je viens de citer, et dans quelques autres que certains réalisateurs ont eu le courage de faire au fil des ans, le héros de ces films est souvent la personne qui fait sortir l’histoire au grand jour, qui trouve LA solution, puis qui fait payer les méchants. Pour moi, cela ne me semble pas être un appel à l’action pour les gens.

Depuis que j’en ai entendu parler, les héros de cette histoire sont les habitants de Minamata qui ont brisé les normes sociétales, se sont dressés contre vents et marées et ont exigé d’être entendus et vus. Le fait que Smith se soit rendu sur place et qu’il ait ensuite porté l’histoire à la connaissance du reste du monde était extraordinaire.

Cela m’a permis d’aborder le sujet du point de vue de Smith, à travers son regard, et de le rendre accessible, digeste et, je l’espère, poétique, élégant et beau. C’est important lorsqu’on s’occupe d’enfants handicapés et difformes, car nous devons nous pencher sur ces choses difficiles, nous pencher sur elles et les regarder de face, afin de faire quelque chose.

Bref, c’est une très longue réponse à votre question succincte.

RP: Jane Evelyn Atwood, l’une des photographes qui a défendu Minamata et demandé sa diffusion, y fait référence. Elle parle de la nécessité de révéler et de montrer des photos que les gens ne veulent pas regarder, et de la lutte qu’il faut mener pour mettre en place le bon processus à cet effet.

Gene Smith était manifestement un homme complexe. Était-il difficile de développer et de dépeindre avec précision cette complexité? Qu’est-ce qui vous est passé par la tête pour savoir ce qu’il fallait éviter et ce que vous vouliez révéler?

AL: J’ai pu passer beaucoup de temps avec Aileen [Mioko Smith] et elle m’a fourni de nombreuses informations très personnelles et révélatrices. Je me suis également rendu à Minamata et j’ai parlé avec de nombreuses victimes vivantes, des patients vivants et des proches. Il était très important pour moi d’avoir leur soutien. La famille de Mioko Smith et Kevin Smith, en particulier, m’a également beaucoup aidé, sans oublier bien sûr les familles de Minamata.

La chose la plus intimidante était de m’assurer que je faisais bien les choses pour ces personnes, car nous allions certainement rouvrir de vieilles blessures. Cela allait être douloureux pour eux. Ils ont vécu suffisamment de choses et je devais donc m’assurer que le film soit efficace et juste pour eux, tout en veillant à ce que nous fassions bien les choses en ce qui concerne Smith et son travail.

Gene prenait des photos en noir et blanc, mais voyait le monde en couleur, et c’était un défi de pouvoir utiliser cela, puis de l’interpréter. Nous avions beaucoup d’astuces et d’outils à notre disposition, ce qui était assez excitant.

Je devais faire un film qui, selon la communauté, les représente correctement, qui respecte leur dialecte et qui soit sensible. Le film devait être en phase avec le public japonais, ce qui impliquait de faire des choix cinématographiques quant à l’emplacement de la caméra et à la manière dont j’abordais la narration.

En outre, je devais trouver le moyen de montrer à un profane – quelqu’un qui n’a jamais pris de photos qu’avec un smartphone – ce qu’est le processus, ce que l’on ressent. En tant que photographe moi-même, j’avais besoin de prendre des photos de manière à ce que les photographes se disent: «C’est ça, c’est ça le truc.» Je suis très reconnaissant qu’autant de photographes se soient manifestés et aient vu cela.

Nous devions tenir compte du fait que 99 % du public n’avaient jamais tenu un véritable appareil photo. Il fallait donc trouver le moyen d’éduquer les gens sur notre langage, le langage de Smith et le langage de la photographie, de manière succincte, mais élégante et amusante. Il ne s’agit pas simplement de dire «voici votre leçon de photographie», mais de donner une idée de ce que l’on ressent, de ce à quoi ça ressemble, de ce que ça sent, dans sa totalité.

Au début du film, Gene est devant la caméra et au fur et à mesure du film, il devient vraiment notre œil et nous devenons son œil. Nous avons fait beaucoup de choses, et je pourrais passer des heures et des heures à en parler.

Cette partie du défi était donc agréable, et nous avons passé énormément de temps à la planifier. Mais nous voulions aussi que Gene soit présent spirituellement, qu’il vive l’expérience et qu’il comprenne ce que les gens sur le terrain vivaient. C’était plus difficile parce qu’il s’agissait d’acteurs et de leurs interprétations. Je suis heureux de dire qu’Aileen en particulier, et d’autres personnes qui étaient amies avec Gene, nous ont contactés et ont été très satisfaites de l’interprétation de Johnny, de sa performance.

RP: Tous les photographes que j’ai interrogés ont commenté sa performance et l’ont trouvée très convaincante. Plusieurs d’entre eux avaient été photographes dans des zones de guerre et souffraient du syndrome de stress post-traumatique. Ils étaient tout à fait d’accord avec lui et l’ont complimenté. C’est une réussite extraordinaire.

J’ai l’occasion de lire beaucoup de documents de relations publiques de films qui parlent souvent de l’engagement merveilleux des acteurs, de l’équipe, etc., mais dans le cas de Minamata, cela ne semblait pas être une simple relation publique mais une réalité. Pouvez-vous nous en parler?

AL: C’est drôle que vous disiez cela et vous avez raison. La plupart des articles qu’on lit sur ce genre de films sont des conneries, excusez le langage, mais c’est le cas. Sur ce film, ce n’était pas que tout le monde s’entendait, ce n’était pas Kumbaya et tout ça, en fait, il y avait beaucoup de pression, mais il y avait un réel engagement.

Je n’ai pas laissé entrer sur mon plateau une seule personne qui n’était pas pleinement consciente de ce que nous essayions de faire et pourquoi, et cela inclut les figurants que j’ai tous interviewés personnellement. Je n’ai évidemment pas fait appel aux traiteurs et aux chauffeurs, mais j’ai passé en revue tous ceux qui ont participé à la production du film, non seulement pour leur talent artistique, mais aussi pour leur engagement et leur compréhension.

Nous avons travaillé très dur pour constituer une équipe et un environnement totalement immersif. Nous n’avions pas de murs bizarres en carton ni de décors sans plafond. Si nous construisions quelque chose, nous le construisions correctement, avec tous les détails minutieusement intégrés, de sorte que nos artistes – devant et derrière la caméra – avaient l’impression de pénétrer dans cet environnement réel.

L’un des grands compliments que Johnny m’a faits très tôt était qu’il avait l’impression de vivre dans un documentaire, qu’il n’arrivait pas à tout comprendre, mais que cela l’aidait en quelque sorte à l’expérimenter et à le vivre, et à être simplement Gene [Smith].

Nous avions un certain temps pour tourner ce film et nous l’avons tourné en moins de jours que prévu. Cela n’arrive généralement pas sur un film comme celui-ci, mais c’est arrivé parce qu’il n’y avait pas de conneries. Les gens étaient là pour le faire, et pas seulement pour l’amour du jeu, ce qui est unique en soi, mais pour la passion et le sentiment que nous pouvions vraiment changer les esprits et inciter les gens à se lever et à faire entendre leur voix. C’était incroyable.

RP: Il y a beaucoup d’aspects différents de la production à aborder, mais je dois mentionner les scènes de protestation. L’utilisation d’images d’archives recréées, d’images d’archives réelles et la cinématographie de Benoît Delhomme [The Scent of Green Papaya (1993), The Proposition (2005), The Boy in the Striped Pajamas (2008), The Free State of Jones (2016), Eternity’s Gate (2018)] étaient merveilleuses et totalement convaincantes. Ces scènes avaient une réelle tension, rien ne semblait faux, daté ou déplacé. Comment y êtes-vous parvenu?

AL: Merci d’avoir soulevé cette question. C’était compliqué à réussir, mais cela commence et se termine par l’idée que nous avons essayé de rendre les choses réelles. Comme je l’ai dit, il n’y avait personne sur mon plateau, y compris les figurants, qui n’était pas totalement investi. Je leur ai envoyé des documentaires à regarder pour qu’ils comprennent qui ils étaient, ce qu’ils faisaient, pourquoi ils étaient là.

Tout ne s’est pas fait au montage. C’était quelque chose que nous devions faire le jour même et être capables de filmer avec notre Bolex [caméra], de connaître les séquences documentaires existantes que nous avions, puis de les filmer en temps réel.

À la fin, nous devions organiser une émeute, mais pas de manière dangereuse. Je m’asseyais sur un micro et je racontais à tout le monde ce qui se passait, pourquoi nous étions là et ce qui était arrivé à leur sœur ou à leur cousin.

Benoît n’était pas convaincu que cela fonctionnerait, mais une fois que nous avons mis en place toutes les séquences, tout s’est déroulé sans heurts. C’est un élément du film dont nous sommes tous très heureux et fiers.

RP: Le film comporte de nombreux moments subtils dans la relation entre Aileen et Gene. Pourriez-vous également nous parler de ce processus?

AL: Il n’y avait aucun moyen de condenser tout ce que nous avions en deux heures, j’ai donc dû établir des priorités. Le plus important était de s’assurer que les principaux éléments étaient présents. Quelle était la chose la plus importante dans leur relation, sa vérité essentielle à ce moment-là et comment je pouvais l’exprimer de la manière la moins distrayante possible. Franchement, leur relation n’est pas l’histoire du film que je voulais raconter, mais je ne pouvais pas non plus la laisser de côté.

S’ils étaient au lit en train de faire l’amour ou de s’embrasser, cela aurait été déplacé dans le contexte de deux heures du film. Nous avons donc dû examiner leur relation et l’aborder du point de vue de qui est Gene, qui est Eileen et comment interagissent-ils à cette époque. Quel est leur truc? J’ai passé beaucoup de temps à en parler avec Aileen et j’ai l’impression, comme elle, que nous y sommes parvenus, ce qui est très satisfaisant.

Je suis sûr qu’il y a pas mal d’écrivains et de spectateurs qui auraient réclamé ce gros baiser ou ce truc ou le genre de truc générique d’Hollywood, mais ça ne collait pas.

RP: À un moment donné dans le film, Gene dit: «La dissimulation par la Chisso Corporation sera aussi importante dans l’histoire que l’histoire elle-même».

Eh bien, c’est devenu une réalité pour vous parce qu’en juillet de l’année dernière et vous avez publié une lettre ouverte à MGM sur le fait qu’ils enterraient le film. Pouvez-vous nous en parler?

AL: Partout où vous avez affaire à de grandes entreprises, et à ceux qui en dirigent certaines, vous rencontrez des gens qui s’en moquent éperdument. Ils peuvent se retirer dans leurs belles maisons en Italie, ou dans leurs piscines de Beverly Hills, ou conduire leurs belles voitures, et sont complètement déconnectés du grand public qui se bat pour payer ses factures, avoir une vie heureuse, rester en bonne santé et passer à travers la journée. Et à Hollywood, vous trouvez certainement des gens à ces postes, qui n’ont aucun concept ni aucun lien avec les artistes et qui s’en moquent. C’est horrible.

Je n’ai pas envie d’en parler trop longuement, j’ai dépassé ce stade. Le monsieur avec qui nous avons traité chez MGM, si on peut l’appeler ainsi, n’est pas quelqu’un que j’essaierais de réparer ou d’aider à devenir une meilleure personne. En fin de compte, il n’est plus notre problème ou notre obstacle, ni quelqu’un à qui je voudrais consacrer du temps pour qu’il apporte une plus grande contribution à la société ou qu’il vive une vie plus pleine et plus positive.

Ce qui me réjouit, c’est que le film est maintenant en dehors de tout cela et, bien qu’ils aient fait tout ce qu’ils pouvaient pour l’endommager, que ce soit intentionnel ou non, le film continue de vivre et, espérons-le, parle aux personnes qui peuvent faire la différence.

C’est un film qui s’adresse à tous les groupes d’âge, mais particulièrement aux jeunes qui n’ont pas eu la chance de participer à un moment comme celui-ci, mais qui peuvent trouver leur voix et réaliser qu’ils ont en eux la capacité de changer les choses. Ils ont en eux la capacité d’agir, la capacité d’être entendus. S’il y a un message à retenir de ce film, c’est qu’une seule voix peut déclencher un chœur, qu’une allumette peut déclencher un grand feu et qu’un galet peut déclencher un raz-de-marée.

Je fais partie de nombreux groupes de discussion sur l’environnement, l’avidité des sociétés et tout le reste, et la plupart des personnes qui y participent parlent en termes catastrophistes, en disant que c’est fini, qu’il n’y a plus rien à faire, que nous ne gagnerons jamais, que nous sommes fichus et que nous avons dépassé le tic-tac de l’horloge de minuit. Je suis toujours celui qui est assis là et qui dit: «Je vois des améliorations, je vois des jeunes qui veulent être entendus, qui commencent à s’engager, mais on leur donne beaucoup de fausses nouvelles, on leur donne beaucoup de choses qui ne sont pas réelles. Et je pense et j’espère que si le film attire suffisamment de spectateurs en Amérique, nous pourrons parler à ces personnes.

RP: Le fait est que le film est maintenant sorti [aux États-Unis] parce que des milliers de jeunes qui l’ont vu se sont rendus sur Twitter et d’autres médias sociaux, ont commencé à faire pression pour sa sortie et à le dire à leurs amis.

Il y a un sentiment de masse parmi les jeunes pour changer la société. J’ai remarqué dans une interview en ligne que vous avez parlé de la pandémie et de la nécessité d’une réponse mondiale, mais que l’on dit aux gens qu’ils doivent vivre avec ce virus et aussi avec les dégâts, l’environnement et tout le reste. Ce n’était certainement pas la réponse de Gene Smith à ce qui s’est passé à Minamata.

AL: Et ce n’est pas mon point de vue. Je crois fermement que nous pouvons changer, et je crois fermement que le changement vient de l’intérieur de nous. Il n’est pas nécessaire de dépenser de l’argent, mais de prendre la décision de vivre d’une certaine manière et d’apporter de la positivité et un programme de bonté. Ils ont fait un si bon travail pour déformer le désir de vivre une existence saine dans un monde sans pollution et le faire passer soudainement pour un cliché.

C’est incroyable la façon dont ils ont manipulé cela. Mais il s’agit de sourire à son voisin et de ne pas jeter de détritus sur le sol. C’est acheter une paire de baskets et, si vous en avez la possibilité, chercher à savoir quel type d’entreprise a fabriqué ces baskets. C’est aussi faire attention pour qui on vote.

RP: Alors, quel est le prochain projet? Quel est votre prochain film?

AL: Il y en a plusieurs sur lesquels je travaille. Mon processus est le suivant: je trouve un sujet qui m’intéresse, des idées, des domaines que je veux explorer et je trouve autant d’informations que possible à ce sujet, puis je détermine s’il faut en faire un film, une sculpture, ou si je dois écrire à ce sujet. Pour l’instant, j’ai une liste de sujets assez saine, mais rien que je ne veuille vraiment donner un aperçu.

Je peux vous assurer que l’approche sera différente à chaque fois. Je n’essaie pas de faire le même film encore et encore ou la même sculpture encore et encore. Je ne vais pas passer mon temps et m’éloigner de mes enfants – ce que j’aime vraiment – et faire ces sacrifices comme Gene l’a fait, et comme d’autres artistes, à moins que cela ait une chance d’être réellement nutritif, utile et valorisant pour les gens. Donc... nous devrons rester à l’écoute, je suppose.

RP: Ok et je pense que c’est un bon point pour terminer.

AL: Et Richard, juste sur une note personnelle. Ce sont ces gens sur Twitter, tous ces gens qui se sont levés [pour Minamata], qui ont dit quelque chose et qui ont été entendus chaque jour. Ce sont des gens comme vous qui nous ont vraiment soutenus et qui ont défendu ce que vous pensiez être juste.

Moi-même et tous les membres de l’équipe de tournage avons lu ces articles et les entretiens avec les photographes. Cela signifie beaucoup pour nous qu’ils aient ressenti cela et que quelqu’un prenne le temps de le faire, alors merci beaucoup de la part de toute l’équipe de tournage.

RP: D’accord et merci. Les interviews ont été très instructives car elles ont permis d’explorer toutes sortes d’éléments du film. Ces photographes pouvaient tous s’identifier à Gene Smith car ils ont mené les mêmes combats que lui avec les éditeurs.

AL: Si jamais vous voulez faire une table ronde avec certains de ces personnes, j’en serais très heureux.

RP: Ce serait excellent.

(Article paru en anglais le 19 février 2022)