Le sculpteur américain Claes Oldenburg, 93 ans, est décédé à son domicile et dans son studio à New York le 18 juillet. L’une des figures majeures du pop art, il est surtout connu pour ses sculptures publiques monumentales d’objets quotidiens tels que des battes de baseball et des cônes de crème glacée. Oldenburg a acquis une reconnaissance et un succès considérables au cours de sa longue carrière, et sa mort est l’occasion de procéder à une évaluation critique de son œuvre.

L’artiste est né à Stockholm en 1929, l’année du krach de Wall Street. Son père Gösta était un diplomate suédois en poste à New York, et sa mère Sigrid était une ancienne chanteuse et artiste. En 1936, le père d’Oldenburg est nommé consul général de Suède et la famille s’installe à Chicago. Le sculpteur grandit pendant la Grande Dépression dans un appartement confortable rempli d’œuvres d’art et d’antiquités, et ses parents étaient connus pour organiser les fêtes de Noël traditionnelles suédoises.

Dans les premières années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, Oldenburg a étudié la littérature et l’histoire de l’art à l’université de Yale. Il suit ensuite des cours à l’Art Institute of Chicago. Pendant un certain temps, il a travaillé comme reporter au City News Bureau de Chicago, où l’une de ses responsabilités était d’illustrer des bandes dessinées. Cette expérience a probablement influencé son développement artistique ultérieur.

Lorsqu’Oldenburg s’installe à New York en 1956, l’expressionnisme abstrait, qui était le style artistique dominant, s’est épuisé. Également appelé l’école de New York, l’expressionnisme abstrait est né pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Nombre de ses représentants étaient attirés par le Parti communiste, certains en étant même membres pendant un certain temps dans les années 30 et 40. Mais ils ont été profondément ébranlés par les atrocités commises en temps de guerre par les nazis et les alliés, ainsi que par la brutalité et l’hypocrisie du stalinisme. Ils ne pouvaient pas non plus se réconcilier avec l’étroitesse d’esprit et le conformisme qui commençaient à définir la société américaine d’après-guerre.

Cherchant à tâtons une voie à suivre, ces artistes (dont Jackson Pollock, Franz Kline, Lee Krasner et Mark Rothko) se tournent vers les cultures primitives, les archétypes jungiens, la psychanalyse et le mysticisme religieux pour trouver leur inspiration. Ils utilisaient des formes et des glyphes abstraits ou appliquaient la peinture avec des gestes vigoureux. Mais dans les années 1950, malgré l’abnégation et la lutte, cette perspective s’est révélée inadéquate pour relever les défis de l’après-guerre. Nombre de ces artistes ont connu une fin tragique: Pollock est mort dans un accident de voiture et Rothko s’est suicidé.

Le pop art commençait à émerger au moment où Oldenburg s’installait à New York. Des figures transitoires telles que Robert Rauschenberg et Jasper Johns ont été suivies par d’autres comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein. Reflétant les nouvelles sensibilités de l’époque, les pop artistes ont adopté, voire célébré, le consumérisme rendu possible par le boom de l’après-guerre. Les bandes dessinées, les magazines de cinéma et les produits de consommation sont devenus leurs sujets.

En tant que l’un des principaux artistes pop, Oldenburg a exprimé la perspective du mouvement dans sa déclaration de 1961. «Je suis pour l’art Kool, l’art 7UP, l’art Pepsi», écrit-il. De telles déclarations, même si elles sont présentées comme une provocation ou une plaisanterie, permettent à Oldenburg d’adopter une attitude non critique à l’égard de la dégradation de la culture. Dans la mesure où les pop artistes étaient critiques, ils ne faisaient pas la satire de la vulgarité du nouvel ordre social, mais offraient plutôt le clin d’œil complice et maniéré, représentant le banal avec un détachement ironique et refusant tout engagement idéologique.

En 1961, Oldenburg avait commencé à créer des «sculptures molles» à partir de grillage à poules, qu’il recouvrait d’une toile imbibée de plâtre et peignait avec de la peinture émaillée. Les éclaboussures et les gouttes à la surface de ces sculptures soulignent leur caractère informel et physique (et peut-être une allusion à l’expressionnisme abstrait). Plus tard, Oldenburg a réalisé des sculptures souples en vinyle rembourré de mousse. Ces œuvres (par exemple, un énorme morceau de gâteau, un cône de crème glacée) s’affaissaient de façon comique, exposées au sol ou au mur.

Lipstick (Ascending) on Caterpillar Tracks (1969) est une de ses premières oeuvres en acier. Dévoilée à l’université de Yale, elle représente un tube de rouge à lèvres surdimensionné reposant verticalement sur des chenilles de char. Créée pendant la guerre du Viêt Nam, qui a suscité une opposition massive parmi les travailleurs et les étudiants, la sculpture devait servir de plate-forme pour les discours anti-guerre.

Oldenburg a fait valoir que l’œuvre opposait la couleur, l’humour et la simplicité au campus incolore, solennel et sophistiqué de l’Ivy League. Il a souligné que l’œuvre combinait le phallique et le féminin. L’œuvre ne comporte cependant aucune analyse (ni même de référence directe) à la guerre à laquelle la sculpture s’oppose ostensiblement.

À partir des années 1970, l’artiste commence à travailler presque exclusivement sur des commandes publiques, dont certaines comptent parmi les œuvres les plus connues d’Oldenburg. Parmi ces sculptures en acier, citons la gigantesque Clothespin (1974) à Philadelphie, Batcolumn (1977), une batte de baseball de 30 mètres de haut, à Chicago, et Spoonbridge and Cherry (1988), qui repose dans un petit étang au Walker Art Center de Minneapolis. Bien que cet attirail surdimensionné puisse provoquer un émerveillement momentané, il ne suscite pas de réflexion soutenue. Les sculptures ne font pas non plus de déclarations plus générales et n’abordent pas de thèmes sociaux.

Les faiblesses de l’œuvre d’Oldenburg, et de celle des pop artistes en général, reflètent le climat de l’après-guerre. Le boom de l’après-guerre ne durera pas plus de 25 ans. Pendant cette période, il a permis une augmentation du niveau de vie, ce qui a favorisé une culture de ce que l’on a appelé le consumérisme. Le pop art s’est adapté à cet état de fait sans critique.

Les pop artistes ont abdiqué une grande partie des responsabilités essentielles de l’artiste. L’art a un grand pouvoir de compréhension de la société humaine. Le Pop Art, cependant, cherchait simplement à refléter la société américaine plutôt que de remettre en question ou d’éclairer ses fondements sociaux les plus profonds. L’art est également un moyen puissant de remettre en question la sagesse dominante et d’imaginer de nouvelles possibilités sociales. Oldenburg et ses pairs, cependant, ont célébré le monde tel qu’ils l’ont trouvé et n’ont adopté aucune attitude critique envers le statu quo. Bien que certaines de ces œuvres puissent conserver un intérêt formel et une capacité à amuser, elles rejettent le pouvoir libérateur de l’art. Il s’agit là d’une considération majeure qui ne peut manquer d’influencer l’évaluation de l’œuvre d’Oldenburg.

(Article paru en anglais le 18 août 2022)